“Speaking of 'Nobody Spoke'” performed by The Jackson Pollock Bar by Kunstsaele

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Freitag / Friday,  8.09.2017, 18:00 

Sonntag / Sunday,  17.09.2017, 13:30

(in Englischer Sprache, ca. 50 min./ in English, approx. 50min.)

Der Geschäftszweck der Jackson Pollock Bar ist die Installation von Theorie. Theorien, und vor allem ästhetische Theorien, bilden nicht länger einen neutralen, abstrakten Hintergrund der Kunst. Sie sind vielmehr ihr materialer Bestandteil geworden. Das Ästhetische ist diskursiv geworden und der Diskurs ästhetisch. Dies ist die Implosion der Kunst in den Diskurs. Theorien unterscheiden sich von Werken nur auf der Beobachtungsebene erster Ordnung - durch unterschiedliche Qualitäten, Logiken und Erfahrungsmodi.

Wenn die Welt zur Ausstellung wird, nämlich zur Selbstausstellung von Beobachtungen, dann kann das Ausstellen kein Privileg der Kunst mehr sein. Ausstellen ist nicht mehr an die Ausstellung gebunden; Ausstellen heißt einfach: für den Kommunikationsprozess beobachtbar machen. Die Ausstellung ist seither ein Spezialfall: nämlich der methodische Reflexionsort des Sich-der-Beobachtung-Aussetzens von Beobachtungen. Theorien, die ein Bewußtsein für ihre Stellung im Kommunikationsprozess entwickeln, müssen auf die Art ihres Beobachtetwerdens achten, d.h. sie müssen ausgestellt werden. Dadurch entfalten sie ästhetisches Bewußtsein.

Wichtig ist die Brechung der authentischen Unmittelbarkeit von Theorie. Dadurch wird die Wahrnehmung von Künstlichkeit, Konkretheit und Kontextualität, also die Beobachtung zweiter Ordnung, ermöglicht. Auf etwas ähnliches zielte ja bekanntlich Brechts V-Effekt. Die Präsenz von Theorie muss ausdifferenziert werden in Autor, Werk, Interpretation und Darstellung – und die Darstellung ihrerseits in Bild und Ton. Dazu haben wir das Playback-Verfahren entwickelt. Das Playback-Verfahren muss für dieses Anliegen aus der üblichen Simulationsabsicht herausgelöst und zu einer sinnlichen Verdoppelung vergröbert werden.

Bevorzugter Spielort der Theorie-Installationen sind die Ränder des Kunstsystems, die Schnittstellen zwischen Theorie und Kunst: Bars, Foyers, Vernissagen und Symposien, Orte, in denen sich objekthaft-mediale ästhetische Kommunikation (Werke, Räume) und zwischen-menschliche Kommunikation ("Reden") überlagern und durchmischen.

C.M. 1997 

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The Jackson Pollock Bar is concerned with the "installation" of theory. The theories of theoreticians, and indeed the theoreticians themselves, no longer form a neutral abstract background (flip side) to the aesthetic. They have developed in a way, so as to constitute its material. The "aesthetic" has become discursive and "discourse" has become aesthetic. That is the implosion of art and language. Theories and art works are thoroughly distinctive only insofar as first-order levels of observation (in the sense of cognitively active seeings, hearings etc.) are identified in logical and qualitative terms. Developments in the semantics of systems of communication - particularly in connection with self description in autopoietic systems - have led to an operational closure.

As a consequence, the paradigm of the work of art as the privileged constituent of "the exhibition" is no longer tenable: the world has become an exhibition, an exhibition which consists of observations. The conventional show, or exhibition, is no longer linked by necessity to the process of exhibiting. To exhibit something is simply to render it observable with a communicative purpose. The exhibition or show has, therefore, become a special case - a methodological site of the reflexively self-observing (second order) exposition of observations. Theories which develop a consciousness of their position in the course of a communicative process must necessarily pay attention to the way they are observed: they must be exhibited.

It is important that the installation ruptures the sense of theory as something authentically direct. Through this rupture an awareness of concreteness and artificiality together with contextuality is created; this facilitates the production of observations of a second order type. (Brecht's "V-effect" was aimed at something similar). The theoretical "presence" is diversified between author, work, interpretation and performance - which is itself diversified between sound and picture or image. In this connection, the playback method has been developed. This is not playback with a mimetic purpose, but a vocal performance of coarse texture which is experienced as a relatively autonomous redoubling of the putative "original". The appropriate locations for theory installations are where art's objects and spaces tend to overlap and to merge with talk and other processes of human communication. They might be the merging of art sites, or bars and foyers, or be connected with such events as openings and symposiums.

C.M. 1997

 

LECTURE BY IAN KIAER by Kunstsaele

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Datum: Samstag, 24. Juni 2017

Zeit: 18 Uhr

In Zusammenhang mit seiner aktuellen Einzelausstellung  "Endnote, tooth" (29. April – 28. Juni 2017) in der Galerie Barbara Wien, wird der britische Künstler Ian Kiaer, am Samstag, den 24. Juni 2017, in den Räumen der KUNSTSAELE Berlin über seine jüngsten Werke sprechen.

Ausgangspunkt seiner Arbeiten stellen meist utopische Ansätze aus Architektur, Philosophie und Kunst dar. Unter dem Titel "Endnote, tooth" präsentiert Kiaer neue Werke, die sich auf seine langjährige Beschäftigung mit Architekturprojekten von Frederick Kiesler (1890–1965) und Moshe Safdie (*1938) beziehen. Kiaers Installationen und Objekte aus Alltagsgegenständen, gefundenen Materialien, Modellen und Malereien können als eine offene Versuchsanordnung oder als das (vorläufige) Ergebnis einer Reihe von Assoziationen verstanden werden. 

In seinem Vortrag wird der Künstler in die Gedankenwelten Kieslers und Safdies einführen und über das Verhältnis zwischen Modell und Fragment, Malerei, minor form und dem Marginalen nachdenken. 

Der Vortrag wird auf Englisch gehalten.

 

Ian Kiaer, 1971 in London geboren, lebt und arbeitet zurzeit in London und Oxford. Er hatte zahlreiche internationale Einzelausstellungen, u.a. im Neubauer Collegium, Chicago (2016); im Henry Moore Institute, Leeds und in der Focal Point Gallery, Southend-on-Sea (beide 2014); im Centre International de l‘art et du Paysage, Vassivière (2013); im Aspen Art Museum (2012); im Kunstverein München (2010) und in der Galleria d‘Arte Moderna e Contemporanea, Turin (2008).

Darüber hinaus nahm Kiaer an Gruppenausstellungen teil, u.a. im frac île-de-france, Paris; im Mudam Luxembourg; in der Tate Modern und Tate Britain, London; im Hammer Museum, Los Angeles; in der Hayward Gallery, London; an der Biennale d‘Art contemporain, Rennes (2012); der Biennale de Lyon (2009); der Istanbul Bienniale (2007) und der Berlin Biennale (2006). Im November 2017 eröffnet im Musée d‘Art moderne de la Ville de Paris eine Einzelausstellung von Ian Kiaer.

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Date: Saturday, 24 June 2017

Time: 6 pm

In connection with Ian Kiaer’s current solo exhibition "Endnote, tooth" (29 April – 28 June 2017) at Galerie Barbara Wien, the British artist will give a lecture at the KUNSTSAELE Berlin on Saturday, 24 June 2017, at 6 pm.

Utopian approaches to architecture, literature, philosophy and art generally serve as the starting point for Ian Kiaer’s work. Under the title of "Endnote, tooth", Kiaer's exhibition shows new works arising from his long-standing preoccupation with the architectural projects of Frederick Kiesler (1890–1965) and Moshe Safdie (* 1938). Kiaer's installations and objects made from everyday items, found materials, models and paintings can be understood as open, experimental arrangements or the (preliminary) findings of a series of associations.

In his lecture, Kiaer will talk about certain aspects of Kiesler's and Safdie's thinking. He will also reflect on the model's relationship to the fragment, to painting, the minor form and the marginal. This will be set against the wider context of his work and past projects.

The lecture will be held in English.

Ian Kiaer, born in 1971 in London, currently lives and works in London and Oxford. He has had numerous international solo exhibitions at venues including the Neubauer Collegium, Chicago (2016); the Henry Moore Institute, Leeds and Focal Point Gallery, Southend-on-Sea (both 2014); Centre International de l‘art et du Paysage, Vassivière (2013); Aspen Art Museum (2012); Kunstverein München (2010); and Galleria d‘Arte Moderna e Contemporanea, Turin (2008).

Additionally, Kiaer has participated in group shows such as at frac île-de-france, Paris; Mudam Luxembourg; Tate Modern and Tate Britain, London; Hammer Museum, Los Angeles; Hayward Gallery, London; the Biennale d‘Art contemporain, Rennes (2012); the Biennale de Lyon (2009); the Istanbul Bienniale (2007); and the Berlin Biennale (2006). In November 2017, Ian Kiaer will open a solo exhibition at the Musée d‘Art moderne de la Ville de Paris.

Bild/Image: Ian Kiaer, Endnote, tooth (grey), 2017 – Installation view, Galerie Barbara Wien, Berlin 2017, Photo: Nick Ash, courtesy of Galerie Barbara Wien, Berlin

PRESERVATION by Kunstsaele

Datum: Donnerstag und Freitag, 23. & 24. März 2017

Zeit: ab 20:00

Die KUNSTSAELE präsentieren an zwei aufeinanderfolgenden Abenden eine dreiteilige, intermediale Performancereihe, die von der Choreographin Tarren Johnson initiiert wurde. Für "Preservation" entwickelt Johnson eine grundlegend offene Partitur aus Lyrik und Choreographie, die von Yuri Shimaoka vertanzt werden wird. Die musikalische Begleitung erfolgt von Forest Moody auf dem Klavier. In diesem Rahmen wird Winston Chmielinski einen Text performen, indem er auf eigene und gefundene Textpassagen reagiert und diese zugleich redigiert, während Mira O'Brien für die Dauer des Abends eine Installation präsentiert, die sich aus architektonischen und performativen Elementen zusammensetzt.

Wall and paper
With shadows
What to let rust

Die Partitur nähert sich schrittweise der unmöglichen Aufgabe an ephemere Kunstformen zu konservieren. Der Ablauf des Abends basiert auf einer Art 'Veranstaltungs-Partitur', die als Skript dazu dient, die von Johnson und ihren Kooperationspartnern entwickelten Kompositionen in eine übergeordnete Struktur einzugliedern.

Tarren Johnson ist eine Performancekünstlerin und Choreographin aus Los Angeles, die in Berlin lebt. Sie studierte Tanz und Choreographie am California Institute of the Arts. Forrest Moody ist Pianist und Komponist, mit einem Abschluss von der Eastman School of Music in Rochester, New York. Yuri Shimaoka ist eine in Berlin lebende Tänzerin, die Tanz an der Austrian Ballet School in Tokyo studiert hat. Winston Chmielinski ist ein in Berlin lebender Künstler, der mit Malerei, Philosophie und Literatur arbeitet. Mira O'Brien ist eine interdisziplinäre Künstlerin, mit dem Fokus auf installativer Kunst, Malerei und Performance. Sie studierte an der Yale University in New Haven, Connecticut. Ihre Arbeiten sind in internationalen Ausstellungen zu sehen.

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Date: Thursday and Friday, 23th & 24th March 2017

Time: 8pm

The KUNSTSAELE is pleased to present a three-part intermedia performance series over two days, arranged by choreographer Tarren Johnson. For "Preservation" Johnson extends an open form score of original poetry, to be danced by Yuri Shimaoka with piano accompaniment by Forrest Moody. Winston Chmielinski will perform a text by redacting and reacting to his own writing and found passages, as Mira O'Brien presents an architectural, performative installation throughout the evening.

Wall and paper
With shadows
What to let rust

The score becomes a small step toward solving the impossible task of preserving ephemeral art forms. The evening's proceedings are structured around an 'event score', developed by Johnson and her collaborators, which serves as a script for how the artists' compositions weave into a larger structure.

Tarren Johnson is a Berlin-based performance artist and choreographer from Los Angeles. She studied dance and choreography at the California Institute of the Arts. Forrest Moody is a pianist and composer. He holds a degree from the Eastman School of Music in Rochester, New York. Yuri Shimaoka is a dancer based in Berlin. She studied dance at the Austrian Ballet School in Tokyo. Winston Chmielinski is a Berlin-based artist with a background in painting, philosophy and creative writing. Mira O'Brien is a Berlin-based interdisciplinary artist with a focus on installation, painting and performance. She studied at Yale University in New Haven, Connecticut and has exhibited internationally.

 

Incident by HC by Kunstsaele

Marcel Broodthaers, L'Entrée de l'Exposition, Detail, Kunsthalle Bern, 1982

Marcel Broodthaers, L'Entrée de l'Exposition, Detail, Kunsthalle Bern, 1982

Datum: 17. September 2016

Zeit: 20:00 – 22:00 Uhr

We do have Yucca. It’s very Peruvian, also in the Amazonia you have these roots. You cook them but it really has to be perfect because they are a little boring and you shouldn’t overcook them. It doesn’t need much, it just needs some salt. The only thing is, you have to cook it the right amount because it’s slightly toxic. You can taste it, it has a slightly bitter taste. If you cook it the right amount you know it’s not toxic anymore.

HC versteht Kollektivität als Experimentierfeld, in dem neue Formen von Synthese entwickelt werden können. Für die Intervention „Incident by HC“ realisiert das Kollektiv in der Ausstellung „To Lie in the Cheese, to Smile in the Butter“ (09. September – 15. November) für einen Abend eine Reihe von Veränderungen. Während sie Drinks und Fingerfood aus Teilen der Kokosnuss- und Yucca-Palme servieren, integrieren HC die übrigen Arbeiten der Ausstellung in ihr eigenes System der Betitelung. Indem sie die anderen Werke der Ausstellung temporär appropriieren, unterlaufen sie die Auffassung von originärer Autorschaft und dringen zugleich in die private Sphäre eines jeden Kunstwerkes ein. Die in den Ausstellungsräumen verteilten Palmen spielen auf Marcel Broodthaers' Installation "L'Entrée de l'Exposition" an, – einem zentralen Werk für die Entstehung des Kollektivs – und verwischen die Grenzen zwischen Kunstwerk, Requisite und häuslichem Dekor. 

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Date: 17 September 2016

Time: 8 – 10pm

We do have Yucca. It’s very Peruvian, also in the Amazonia you have these roots. You cook them but it really has to be perfect because they are a little boring and you shouldn’t overcook them. It doesn’t need much, it just needs some salt. The only thing is, you have to cook it the right amount because it’s slightly toxic. You can taste it, it has a slightly bitter taste. If you cook it the right amount you know it’s not toxic anymore.

HC’s understanding of the collective is that of an open field that can be fertilized in order to reach new forms of synthesis. For their intervention "Incident by HC", they will add a number of changes to the exhibition "To Lie in the Cheese, to Smile in the Butter" (09 September – 15 November) for the duration of one evening. While serving a drink and finger food made of parts of Cocos and Yucca palm trees, they include the artworks on display into their own system of titling. While temporarily appropriating the other works in the show, HC obscures and invades both the idea of the singular author and the intimate sphere of the artworks' realm. Their installation of palm trees throughout the show alludes to Marcel Broodthaers' installation "L'Entrée de l'Exposition" – a crucial work in the collective's making – and aims to blur the lines between artwork, prop and domestic decor. 

 

FRENCH CONNECTION_PERSPECTIVES ON SUPPORT/SURFACE - CURATOR TOUR by Kunstsaele

installation view, French_Connection - Perspectives on Support/Surface, 2016

installation view, French_Connection - Perspectives on Support/Surface, 2016

Datum: Samstag 18.06.2016

Zeit: 15:00 Uhr

In der neuen Ausstellung der Kunstsaele, French Connection_Perspectives on Support/Surface, kuratiert von Heike Fuhlbrügge werden erstmals ausgewählte Arbeiten der französischen GruppeSupport/Surface in Zusammenschau mit Arbeiten zeitgenössischer Künstler gezeigt. Dabei geht es weniger darum, eine direkte Nachfolge zu dokumentieren, als vielmehr Perspektiven und Denkanstösse zum Thema Materialität, Malerei und Farbe zu eröffnen.

Das Interesse der Künstler des Support/Surface, als Gruppe vor allem im Zeitraum zwischen 1967-1975 aktiv, galt der Materialität und den Konditionen von Malerei, teilweise bis hin zu einer lyrischen Auffassung von Farbe. Es gibt kein Manifest, Inspiration gaben die Schriften und Ideen u.a. von Sigmund Freud, Clement Greenberg und Michael Fried, sowie das Werk von Simon Hantaï und Henry Matisse.

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Date: Saturday 18.06.2016

Time: 3:00 pm

The new Kunstsaele exhibition French Connection_Perspectives on Support/Surface curated by Heike Fuhlbrügge shows selected works by the French group Support/Surface in Germany for the first time, alongside works by contemporary artists. The purpose of the exhibition being not merely to document a direct line of stylistic succession, but rather to open up perspectives and to provide inspiration for new thoughts on topics of material, painting and color.

The Support/Surface group was a loose collective of about 15 artists between the years 1967-1975 mainly from the South of France (Nîmes, St. Etienne, Nice, and others). As a group, particularly in the period from 1967 to 1975, the main interest of the Support/Surface artists was in the materials and conditions of painting, in some cases taking it as far as a lyrical understanding of color. There is no manifesto. Inspiration was drawn from, among other sources, the writings and ideas of Sigmund Freud (Lacan), Clement Greenberg and Michael Fried, and Henry Matisse.

On SATURDAY, 18 June we invite you to JOIN THE CURATOR HEIKE FUHLBRÜGGE ON A TOUR TO THE EXHIBITION and get first hand intel on how the exhibition came to be and what unites the contemporary art works with those of the Support/Surface group.

FRENCH CONNECTION_PERSPECTIVES ON SUPPORT-SURFACE - ARTIST TALK by Kunstsaele

Katinka Bock, Chamäleon, 2016, courtesy the artist & Meyer Riegger Gallery

Katinka Bock, Chamäleon, 2016, courtesy the artist & Meyer Riegger Gallery

Datum: Donnerstag, 02.06.2016

Zeit: 19:00 Uhr

Die KünstlerInnen Katinka Bock und Eva Berendes sprechen über ihre radikalen Ansätze zu Materialität und Farbe in ihren Arbeiten. Form und Inhalt ihrer zeitgenössischen Auseinandersetzung zeigen auf wie aktuell die Fragestellungen der Support/Surface-Künstler  heute noch sind.

In ihrer Videoarbeit Seechamäleon (2016) zeigt Katinka Bock (*1976) wie sie das Medium Wasser und den Zufall als Gestalter in ihren Werkprozess einbezieht. Diese sind Teil ihrer strukturellen Untersuchungen von Gesellschaftsverhältnissen und kulturell definierten Räumen. Dafür arbeitet sie mit Fundstücken und natürlichen Materialien wie Holz, Leder, Stein, Stoff und Ton.

Die Grids à la Dezeuze & Co sowie deren offene Formstruktur, die stets durch Umhängen der Werkelemente verändert werden kann, sind wichtiges Element im Werk von Eva Berendes (*1974). Ideen der Arts and Craft Bewegung und des Bauhaus sind ihren veränderbaren Konstruktionen ebenso eingeschrieben wie die Sprache der Mailänder Memphis-Gruppe.

Verpassen Sie nicht die Gelegenheit mit der Kuratorin Heike Fuhlbrügge und den KünstlerInnen das Ausstellungskonzept oder auch einzelne Arbeiten zu besprechen.

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Date: Thursday, 02.06.2016

Time: 7 pm

The artists Katinka Bock and Eva Berendes will be talking about their radical approach on materials and color in their work. Type and content of their contemporary approach show how up-to-date the ideas of the Support/Surface artists are even today.

In her video work Seechamäleon (2016) Katinka Bock (*1976) shows how she includes water as a medium and coincedence a design method into her work process. Those are part of a structural study on the social situation and culturally defined rooms. For this purpose she works with found objects and natural materials such as wood, leather, stone, facric and clay.

The grids à la Dezeuze & Co with their open structural design that can always be altered by hanging the work elements differently are an important element in the work of Eva Berendes (*1974) as well. The ideas of the Arts and Crafts Movement and of the Bauhaus are just as much related to her modifiable constructions as the language of the Milan Memphis Group.

Don't miss the chance to discuss the exhibition concept and even single works with the curator Heike Fuhlbrügge and the artists.

French Connection_Perspectives on Support/Surface - Gespräch mit Bernard Ceysson by Kunstsaele

Datum: Samstag, 30.04.2016

Zeit: 13:30 Uhr

Kuratiert von Heike Fuhlbrügge

In der Ausstellung werden erstmals ausgewählte Arbeiten der französischen Gruppe Support/Surface in Zusammenschau mit Positionen zeitgenössischer Künstler gezeigt. Dabei geht es weniger darum, eine direkte Nachfolge zu dokumentieren, als vielmehr Perspektiven und Denkanstösse zum Thema Materialität, Malerei und Farbe zu eröffnen.

Das Interesse der Künstler des Support/Surface, als Gruppe vor allem im Zeitraum zwischen 1967-1975 aktiv, galt der Materialität und den Konditionen von Malerei, teilweise bis hin zu einer lyrischen Auffassung von Farbe. Es gibt kein Manifest, Inspiration gaben die Schriften und Ideen u.a. von Freud, Clement Greenberg und Michael Fried, sowie das Werk von Matisse.

Wir sind dankbar, Bernard Ceysson - ausgewiesener Experte und seit über vierzig Jahren unermüdlicher Verteidiger der Visionen der Support/Surface Künstler, zu einem Gespräch in der Ausstellung begrüßen zu dürfen. Seit 1960 ist er einer der Hauptakteure der Kunst in Frankreich, war u.a. Direktor des Musée d’art moderne et contemporain de Saint Etienne und leitete das Musée national d'art moderne am Centre Georges Pompidou in Paris. Heute ist er ein bekannter Autor und Galerist. 

Das Gespräch findet in englischer Sprache mit der Kuratorin Dr. Heike Fuhlbrügge statt.

Ausstellungsdauer : 30.04.2016 – 18.06.2016

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Date: Saturday, 30.04.2016

Time: 1.30 pm

Curated by Heike Fuhlbrügge

The exhibition will show, for the first time, selected works by the french group Support/Surface, among positions of contemporary artists. The purpose being not so much to document a direct line of succession but rather to open up perspectives and to provide inspiration for new thoughts on the topics of material, painting and color.

As a group, particularly in the period from 1967 - 1975, the main interest of the Support/Surface artists was in the material and the conditions of painting, in some cases taking it as far as a lyrical understanding of color. There is no manifesto. Inspiration was drawn from, among other things, the writings and ideas of Freud, Clement Greenberg and Michael Fried, as well as the works of Matisse.

We are very grateful to welcome Bernard Ceysson, a proven expert and, for over forty years, a relentless defender of the visions of the Support/Surface artists, for a talk at the exhibition. Since 1960, he has been one of the key players of France's art world. He was the director of the Musée d’art moderne et contemporain de Saint Etienne and head of the Musée national d'art moderne am Centre Georges Pompidou in Paris. Today he is a well-known author and gallery owner.

The talk will be held in English together with the curator Dr. Heike Fuhlbrügge.

30.04.2016 – 18.06.2016

 

 

 

MODERNISMUS, INSTITUTIONSKRITIK by Kunstsaele

Zur Kritik, Wirkung und Rechtfertigung der Kunst

20.06.2015 - 22.08.2015

von Lukas Töpfer
Buchveröffentlichung (Deutsch)

Dem Wirkungslosen die Treue zu halten, das Elitäre der Kunst in Kauf zu nehmen, es konsequent zu kritisieren und doch der Kritik eine hohe Form zu geben: all das muss vielleicht versucht werden – in einer Rechtfertigung der Kunst. Vom Modernismus zur Institutionskritik: Kritik und Rechtfertigung gehören zusammen.

Mit Bemerkungen u.a. zu Clement Greenberg (Avantgarde und Kitsch), T. J. Clark (Clement Greenberg's Theory of Art), Michael Fried (How Modernism Works), Thierry de Duve (Echoes of the Readymade: Critique of Pure Modernism), zur Institutional Critique und zur "Kritik der Rechtfertigungsverhältnisse".



"The Museum of Modern Art has a duty to a great public. But in serving an elite it will reach, better than in any other
way, the great general public by means of work done to meet the most exacting standards of an elite." (The Museum of Modern Art Bulletin 6, 1939)

"As the Guggenheim's director of communications […] has said: 'we are in the entertainment business and competing against other forms of entertainment out there'." (Andrea Fraser)

Finissage Buchvorstellung: Rolf-Gunter Dienst und Wolfgang Heger im Gespräch by Kunstsaele

"Ein Porträt des Malers Rolf-Gunter Dienst im Dialog" ist der Untertitel eines vom Mitteldeutschen Verlages herausgegebenen Buches, das zur Leipziger Buchmesse vorgestellt wurde. In zwölf Gesprächen zwischen Rolf-Gunter Dienst und Wolfgang Heger werden nicht nur ein Künstlerleben beleuchtet, sondern auch zentrale Aspekte seines Werks vorgestellt, ergänzt um Begegnungen mit künstlerischen Weggefährten von den 1960er-Jahren bis heute.


Wir freuen uns, die Gesprächspartner zur Finissage der aktuellen Ausstellung "Hommages" in den Kunstsaelen zu erleben und laden Sie sehr herzlich ein, an dem Gespräch teilzunehmen. 

Sonnabend, 11. April 2015, 11-13 Uhr
Eintritt frei.

S. Fischer - Verlag - Berlin W. - Bülowstr. 90 by Kunstsaele

Lesung, Donnerstag, 16. Oktober, 20.00 Uhr

Der Literatur-Salon Potsdamer Straße zu Gast in den Kunstsaelen Berlin:

Vor 80 Jahren, am 15. Oktober 1934 starb Samuel Fischer.
Wir erinnern an diesen großen Verleger, seinen Verlag und seine Autorinnen und Autoren und wir berichten über die Geschichte des Hauses Bülowstraße 90.
Der S. Fischer Verlag residierte hier von 1897 bis 1936.

Mit Roland Kretschmer, Christiane Carstens, Indre Zetzsche, Sibylle Nägele und Joy Markert.


Eintritt frei.

Artist Talk: Lynn Hershman Leeson and Tom Marioni by Kunstsaele

(Deutsche Version unten)

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Artist Talk, Sat 19 July at 4pm

Lynn Hershman Leeson
& Tom Marioni
hosted by Marc Glöde

On the occasion of the opening weekend of Tom Marioni "Actions (1969-2014)" and
Lynn Hershman Leeson "How to Disappear" an artist talk will be hosted by curator Marc Glöde and takes place on Saturday 19th July at 4pm. 

Lynn Hershman Leeson is well known for her pioneering use of new technologies and her investigations of issues that are now recognized as key to the working of our society: identity in a time of consumerism, privacy in an era of surveillance, interfacing of humans and machines, and the relationship between real and virtual worlds. Her persistent questioning of the way women’s bodies are seen and instrumentalized made her a key-contributor to American feminism. A critically acclaimed film-maker, she has written, directed and produced several award-winning films including Teknolust, Conceiving Ada, and !Women Art Revolution. The exhibition How to Disappear will premiere “The Ballad of J.T. Leroy“, a video installation recounting the public portrayal of the famous author by two women.

Tom Marioni is a sculptor who has created a large body of work in drawing and printmaking. He pioneered using social situations as art, and his 1970 piece called “The Act of Drinking Beer with Friends is the Highest Form of Art“ has become legendary. Also in 1970, Marioni founded the Museum of Conceptual Art (MOCA) as “a large-scale social work of art.” Although Marioni has been a key figure in the development of Conceptual Art since the 1960s, one should not reduce his work to this field. On the contrary: it is important to acknowledge that Marioni has been pushing the boundaries of art and challenging its conservatism for over forty years. Clearly critical and humorous, he has been confronting the dynamics of art institutions, as well as any and all „-isms“ in the art world. 

Marc Glöde is a film historian and critic who has curated various film series on the subject of film and art. He has authored several publications and has taught at the Free University of Berlin, the Dresden Art Academy, Columbia University, and is currently a lecturer at the ETH Zurich. Marc was a curator of the art berlin contemporary (abc) from 2008-2010, and has curated the Art Basel Film program in Basel since 2008.


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The talks will be held in English. Admission is free.

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Künstlergespräch
Sa, den 19. Juli um 16.00 Uhr

Lynn Hershman Leeson & 
Tom Marioni
kuratiert von Marc Glöde

Anläßlich der Ausstellungseröffnungen von Tom Marioni Actions (1969-2014) und Lynn Hershman Leeson How to Disappear laden die Galerie Aanant & Zoo und die Kunstsaele Berlin am Samstag, den 19.07.2014 um 16:00 in ihren Räumen zum Künstlergespräch unter Leitung von Kurator Marc Glöde. 

Lynn Hershman Leeson ist bekannt für ihre Pionierleistung auf dem Gebiet der neuen Technologien und Untersuchungen zu Kernfragen unserer Gesellschaft: Identität in Zeiten des Konsums, Privatsphäre unter Generalüberwachung und die Beziehung zwischen realen und virtuellen Welten. Durch ihr beständiges Untersuchen der Wahrnehmung und Instrumentalisierung weiblicher Körper leistete sie einen maßgebenden Beitrag zum amerikansichen Feminismus. Sie ist außerdem Autorin, Regisseurin und Produzentin verschiedener preisgekrönter Kinofilme, u.a. Teknolust, Conceiving Ada und !Women Art Revolution. In der Ausstellung How to Disappear wird erstmals die Videoinstallation “The Ballad of J.T. Leroy” gezeigt, in der die öffentliche Darstellung des gleichnamigen Bestsellerautors durch zwei Frauen behandelt wird.

Tom Marioni ist Bildhauer dessen Werk auch Zeichnung und Druck umfasst. Er war einer der ersten, die Zusammenkünfte von Menschen zur Kunst erhob, und seine Arbeit aus dem Jahr 1970 “The Act of Drinking Beer with Friends is the Highest Form of Art” ist inzwischen legendär geworden. Auch gründete er im Jahr 1970 das Museum of Conceptual Art (MOCA) als “groß angelegtes gesellschaftliches Kunstwerk”. Obwohl Marioni seit den 1960ern eine Schlüsselfigur für die Entwicklung der Konzeptkunst ist, wäre es reduktiv seine Arbeit auf den Konzeptualismus zu beschränken. Im Gegenteil: Es ist von großer Wichtigkeit sich vor Augen zu führen, dass Marioni über die letzten vierzig Jahre immer wieder die vorgesehenen Grenzen der Kunstwelt überschritt und somit konservative Tendenzen der Kunstwelt anprangerte. Mit deutlich formulierter aber immer humorvoller Kritik tritt er den Dynamiken in Kunstinstitutionen und jeglichen „-ismen” der Kunstwelt entgegen. 

Marc Glöde ist Filmhistoriker und Kritiker, der verschiedene Filmserien zum Thema Kunst und Film kuratiert hat. Es ist Autor verschiedener Veröffentlichungen und hat an der Freien Universität Berlin, der Kunstakademie Dresden und der Columbia University gelehrt. Aktuell ist er Dozent an der ETH Zürich. Marc war von 2008-2010 Kurator bei der art berlin contemporary (abc) und ist seit 2008 Kurator des Filmprogramms an der Art Basel. 

Die Gespräche erfolgen in Englisch. Der Eintritt ist frei.

Berliner Festspiele - Foreign Affairs Boris Charmatz: Musée de la danse, Rennes „expo zéro“ by Kunstsaele

(please scroll down for English version)


Mit Claire Bishop, Boris Charmatz, Tim Etchells, Hu Fang, Mette Ingvartsen, Pichet Klunchun, Rabih Mroué, David Riff, Shelley Senter und Meg Stuart

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Am Nullpunkt des Museums des Tanzes befindet sich „expo zéro“. Diese performative Ausstellung führt die kollektive Entwicklung einer Sammlung von Gedanken und Bewegungen auf. Verhandelt wird, was ein Museum des Tanzes ist, sein kann oder können sollte. Fragen, die der transdisziplinäre „Think Tank“, bestehend aus internationalen Künstlern und Theoretikern formuliert: Claire Bishop, Boris Charmatz, Tim Etchells, Hu Fang, Mette Ingvartsen, Pichet Klunchun, Rabih Mroué, David Riff, Shelley Senter und Meg Stuart diskutieren und proben eine Woche lang gemeinsam in Berlin. Auf diese Weise entsteht eine choreografische Anordnung, durch die das Publikum sich frei bewegen und so eine eigene Sicht auf das Musée de la danse erschaffen kann. Anstelle einer Ausstellung von Artefakten, einer Sammlung von Gegenständen entsteht in den Kunstsaelen in der Bülowstraße in Bewegung und Wahrnehmung ein temporäres Museum des Tanzes.

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Ein Projekt von Musée de la danse
Produktion: Musée de la danse / Centre choréographique national de Rennes et de Bretagne – Leitung: Boris Charmatz
Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes
Mit Unterstützung von Institut français im Rahmen des Programms IntégraleS und mit Unterstützung der Convention Institut français / Stadt Rennes / Rennes Métropole.
In Zusammenarbeit mit: Berliner Festspiele / Foreign Affairs
In englischer Sprache

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Preis/Kategorie: 
€ 10

Termine:
SA 12.07.2014, 12:00 - 17:00
SO 13.07.2014, 12:00 - 17:00

Der Einlass wird während der Öffnungszeiten durchgängig sein. 

weitere Infos:

http://www.berlinerfestspiele.de/en/aktuell/festivals/foreign_affairs/
fa14_programm/fa14_programm_gesamt/fa14_veranstaltungsdetail_98729.php


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With Claire Bishop, Boris Charmatz, Tim Etchells, Hu Fang, Mette Ingvartsen, Pichet Klunchun, Rabih Mroué, David Riff, Shelley Senter and Meg Stuart

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“expo zéro” is located at the zero point of the Musée de la danse. This performative exhibition presents the collective development of a collection of thoughts and movements. What is a museum of dance, what could or should it be? These are the issues that will be investigated by a “think tank” of international artists, choreographers and theoreticians: Claire Bishop, Boris Charmatz, Tim Etchells, Hu Fang, Mette Ingvartsen, Pichet Klunchun, Rabih Mroué, David Riff, Shelley Senter and Meg Stuart will discuss and rehearse together for a week in Berlin. A choreographical arrangement will be created, through which the audience can move freely and thus gain an individual perspective of the Musée de la danse. What will be presented in the Kunstsaele Bülowstraße is not an exhibition of artefacts or objects; Instead, through movement and perception, a temporary museum of dance will be created.

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A project by Musée de la danse

Production: Musée de la danse / Centre choréographique national de Rennes et de Bretagne – Head: Boris Charmatz
Funded by the German Federal Cultural Foundation
With support of Institut français as part of the programme IntégraleS and with support of the Convention Institut français / city of Rennes / Rennes Métropole.
In collaboration with: Berliner Festspiele / Foreign Affairs
In English

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Price/Category: 
€ 10

Dates:
Sat 12 Jul 14, 12:00 - 17:00
Sun 13 Jul 14, 12:00 - 17:00

Admission will be ongoing during opening hours.

Further information:

http://www.berlinerfestspiele.de/en/aktuell/festivals/foreign_affairs/
fa14_programm/fa14_programm_gesamt/fa14_veranstaltungsdetail_98729.php

Kunst (im) Fernsehen Akteure, Formate und Rahmungen von TV-Performances by Kunstsaele

06.06.2014 - 07.06.2014

Eine wissenschaftliche Tagung organisiert vom Sonderforschungsbereich
626 (Freie Universität Berlin) – Ästhetische Erfahrung im Zeichen der
Entgrenzung der Künste


Ausgangspunkt des Studientags ist die Beobachtung, dass die Entgrenzungsbestrebungen der Nachkriegsmoderne und der Siegeszug des Fernsehens nicht nur im gleichen Zeitraum stattfanden, sondern auch, dass beide Phänomene dem Performativen einen hohen Stellenwert einräumten: Das Aufnahmestudio wird zum alternativen Ort der Kunstproduktion, das für die Performancekunst so wesentliche Moment der nicht wiederholbaren Aufführung findet sich in den Live-Übertragungen des Fernsehens massenmedial gespiegelt. Entsprechend lassen sich Positionen dingfest machen, die das Fernsehen nicht (nur) zur Berichterstattung über Kunst, sondern als dezidiert künstlerisches Medium nutzen wollten.

Neben einer Kritik des medialen Apparats sowie der Erkundung der Manipulationsmöglichkeiten des elektronischen Bildes und der Feedback-Potenziale, wie sie bislang für die Forschung prägend waren, legt der Studientag sein Frageinteresse stärker auf Formen der Auseinandersetzung mit fernsehtypischen Formaten und auf künstlerische Positionen, die anerkennen, dass die Gegenwart nicht ohne die Bild- und Erzählsprache des Fernsehens und seine sozialen Funktionen zu denken ist. Diskutiert wird darüber hinaus, wie Kunst – auch vor dem Hintergrund, dass hierbei Ähnlichkeiten zum zeitgenössischen Kunstbetrieb unverkennbar sind – mit den Kommunikations- und Verführungsmethoden des Fernsehens umgeht, wie sie auf seine vielfältigen Formate und narrativen respektive visuellen Sprachen reagiert und wie sie die Funktionslogik kommerziellen Fernsehens für ihre eigenen Belange einsetzt. 

Mit Vorträgen von: Manuela Ammer, Wien. Jan Dammel, Berlin. Christian Hammes, Berlin. Stephanie Sarah Lauke, Köln. Judith Revers, Wien. Nicola Schmidt, Berlin. Samantha Schramm, Konstanz. Cecilia Valenti, Düsseldorf. Matthias Weiß, Berlin.

Es diskutieren: Barbara Gronau, Berlin. Klaus Krüger, Berlin. Bettina Paust, Bedburg-Hau. Steffen Siegel, Jena. Frauke Surmann, Berlin. Annette Urban, Bochum. Christiane Voss, Weimar.

Weitere Informationen: 
http://www.sfb626.de/veranstaltungen/aktuelle_veranstaltungen/tagung_kunst_im_fernsehen.html


Veranstaltet von:
Prof. Dr. Klaus Krüger, Dr. des. Christian Hammes, Dr. Matthias Weiß
Sonderforschungsbereich 626 – Ästhetische Erfahrung im Zeichen der Entgrenzung der Künste
Teilprojekt A7 – Immanente Entgrenzung in Kunstpraxis und Kunsterfahrung der Gegenwart
Koserstraße 35, 14195 Berlin
Kontakt: albeo@zedat.fu-berlin.de, christian.hammes@fu-berlin.de
Weitere Informationen zum Teilprojekt A7 des SFB 626 unter http://www.sfb626.de/teilprojekte/a7/index.html

Filme von STEFAN HAYN // Talking Picture Blues by Kunstsaele

STEFAN HAYN

”Ein Film über den Arbeiter" (1997)
"Malerei heute" (1998-2005, mit Anja-Christin Remmert)
Filmprojektion mit anschließender Diskussion mit Stefan Hain

Die beiden im an die Kunstsaele angrenzenden Kabinett gezeigten Filme werden als fester Bestandteil der Ausstellung "Talking Picture Blues" zusammen mit für ihren Werkcharakter konstitutiven Aquarellen und Zeichnungen präsentiert. Wir freuen uns, dass Stefan Hayn seine Arbeiten kurz vor Ende der Ausstellung noch einmal in einem anderen Rahmen - einer etwas größeren Präsentation mit anschließender Diskussion – vorstellen möchte.

"Malerei heute" (61 min.) ist ein in großer Nüchternheit gefilmter Report über ein Projekt des Malers Stefan Hayn, bei dem er über mehrere Jahre hinweg morgens vor und abends nach der Arbeit die großformatigen Werbeplakate in der Umgebung der Berliner U-Bahnen aquarelliert hat. Durch die lange Dauer seines Experiments, das er aus dem Off kommentiert, werden ungewöhnliche Erkenntnisse über den sich wandelnden Zeitgeist im "öffentlichen Raum" der zum Sprechen gebrachten Plakatwände und im Raum des Gesellschaftlichen der Bundesrepublik möglich.  

Der zweite Film "Ein Film über den Arbeiter" (18 min.) folgt einer ähnlichen Logik der engagierten, subjektiven Reportage, indem er den damals immer stärker von Entsolidarisierung gekennzeichneten Arbeitsalltag mit zeitpolitischen, künstlerischen und persönlichen Erzählsträngen verflicht. Auch bei diesem Film spielen außerfilmische Bilder - collageartige Zeichnungsblätter – eine besondere Rolle für die erzählerische Strukturierung , die in diesem Fall der Vorbereitung des Films und der emotionalen Erschließung des bildnerischen Stoffbestands 
dienten.

3D-Filme von MORITZ FEHR und DAVID WILSON // Talking Picture Blues by Kunstsaele

Der stereoskopische Film "Mojave (A Person was here)" präsentiert eine experimentelle Erforschung der Mojave-Wüste, die so etwas wie das "Hinterland" der Stadt Los Angeles ist. Der Film verknüpft 3D-Bilder mit räumlich organisierten Geräuschen der in diesem Gebiet anzutreffenden Strukturen natürlichen und menschlichen Ursprungs. Viele der in diesem Film zu hörenden Geräusche wären ohne technische Verstärkung nicht zu hören, doch sind sie an den im Film gezeigten Orten sehr präsent. Zur Aufzeichnung dieser Geräusche wurde eine Vielzahl unterschiedlicher Techniken wie Kontaktmikrofone und dynamische Mikrofone eingesetzt. Bei allen zu hörenden Stimmen handelt es sich um ebenfalls vor Ort angefertigte Kurzwellen- und Flugfunk-Aufzeichnungen. Seine Struktur erhält der Film durch fotografische Stills von "Schrifttafeln" - diese werden von den Bewohner/innen der Region vor ihren Häusern aufgestellt und werden nicht nur als Kommentare zu einem Leben unter harten Bedingungen lesbar, unter denen Religiosität sich in eigenwilligen Formen ausdrücken kann, sue liefern auch so etwas wie "Untertitel" für den Ausblick des Besucherauges auf die Landschaft.  

The stereoscopic film Mojave (A Person was here) is an experimental exploration of the Mojave Desert, the “Hinterland” of the city of Los Angeles. The film connects 3D images with spatially rendered sounds and noises of both natural and man-made structures found in this area. Many of the sounds heard in the film are inaudible without technical amplification, but present at the places shown in the film. A variety of field recording techniques like contact or coil microphones have been used to find and record these sounds. All voices heard in the film are recordings of short wave and aircraft radio also made in place. The film is structured by photographic inserts of “scripture signs”. The „scripture signs“ are set up by the people residing in the area and appear not only as comments to a life confronted with a harsh environment, in where religious belief is expressed in a peculiar form, but are also “subtitling” the view of the land to the visitor’s eye.



David Wilson

The Book of Wisdom and Lies, 2011, 35 min

Vor dem landschaftlichen Hintergrund der von der Zeit vergessenen Ruinen und altertümlichen Harmonien des Kaukasus illustriert und beleuchtet diese Filmpräsentation des in Los Angeles ansässigen Museum of Jurassic Technology (www.mjt.org) die Erzählungen des Ende des 17. Jahrhunderts wirkenden Lexikographen und Fabelerzählers Sulkhan-Saba Orbeliani. Die Kapitel des Films tragen den übergeordneten Titel "The Book of Wisdom and Lies, or the Wisdom of Lies" und beziehen sich damit auf Orbelianis großartige, für seinen Schüler und Neffen, Prinz Vakthang IV. zusammengetragene Anthologie. Der in 3D- und Ambisonic-Sound-Technologie konzipierte Film "The Book of Wisdom and Lies" verwebt diese Stränge visueller, akustischer und mythologischer Kultur zu einem Porträt des Lebens in Georgien.

Set against the landscapes of timeless ruins and ancient folk harmonies of the Caucasus, this filmic presentation of the Museum of Jurassic Technology, The Book of Wisdom and Lies, illuminates the tales once told by the seventeenth century Georgian lexicographer and fabulist, Sulkhan-Saba Orbeliani. The film’s chapters are collectively entitled The Book of Wisdom and Lies, or the Wisdom of Lies, referencing Orbeliani’s great anthology, composed for his pupil and nephew, Prince Vakhtang IV. Presented in 3-D, The Book of Wisdom and Lies weaves these threads of visual, acoustic and mythological culture into a portrait of Georgian life.


TALKING PICTURE BLUES
1. November 2013 bis 11. Januar 2014

Eine Ausstellung des Melton Prior Instituts für Reportagezeichnung
www.meltonpriorinstitut.org
Organisiert von Clemens Krümmel

Alice Creischer | The Grand Moving Mirror of California, Los Angeles | Stefan Hayn | Winsor McCay | The Museum of American Art, Berlin | Samuel Nyholm | Felix Reidenbach | Viola
Rusche | Karin Sander | Albrecht Schäfer | Romana Schmalisch Mobile Cinema | Dierk Schmidt | Andreas Siekmann | Shane Simmons

KUNSTSAELE BERLIN - Bülowstraße 90 - 10783 Berlin
tel. +49 30 81801868 - www.kunstsaele.de

Karolin Meunier 1:1 – Aufführung eines Interviews by Kunstsaele

"A: Hat es mit Repräsentation zu tun? / B: Wenn Äste die Kompetenz haben, wie Schnitte zu sein? / A: Ja. / B: Es ist nichts, was sich zur Schau stellt."

Eine Performance der Künstlerin und Autorin Karolin Meunier, Berlin

Donnerstag, 12.12.2013, 19 Uhr
(freier Eintritt)

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Thursday, Dec. 05, 7 pm 
(free admission)

Walter Benjamin Kunsthistorische Vorlesung by Kunstsaele

Walter Benjamin war ein einflussreicher Philosoph und Kunsttheoretiker, dessen vielleicht bekannteste Schrift der Aufsatz “Das Kunstwerk im Zeitalter seiner mechanischen Reproduzierbarkeit aus dem Jahr 1936 ist. 1986 - viele Jahre nach seinem tragischen Tod - trat Benjamin mit dem vom Marxistischen Zentrum in Ljubljana organisierten Vortrag "Mondrian ’63 - ’93” noch einmal an die Öffentlichkeit. In den vergangenen Jahren war Benjamin Assoziierter des Museum of American Art in Berlin, von wo aus er im internationalen Rahmen Interviews gibt und Artikel veröffentlicht. 

An diesem Abend wird mit einer Vorlesung der von Jeff Khonsary bei Motto Distribution herausgegebene Band “Recent Writings” präsentiert, der neun von Benjamin zwischen 1986 und 2013 verfasste Essays enthält. Hinzu treten darin noch Interviews und eine umfassende Bibliografie. Die Texte behandeln u.a. Fragestellungen zu Kunst, Originalität, Museen und Kunstgeschichte. 

Mittwoch, 11.12.2013, 19 Uhr
(freier Eintritt)

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Wednesday, Dec. 11, 7 pm 
(free admission)

The Grand Moving Mirror of California, Los Angeles by Kunstsaele

Sara Velas und Ruby Carlson, Betreiberinnen des Velaslavasay Panoramas in Los Angeles, werden an diesem Abend die Kurzfassung einer Vorführung des “Grand Moving Mirror of California” genannten Bildrollen-Rezitationstheaters bieten, das sie gemeinsam nach einem historischen Vorbild aus der Mitte des 19. Jahrhunderts rekonstruiert haben - und das in einem verkleinerten Modell, Teil der Ausstellung “Talking Picture Blues” geworden ist. 

Darüber hinaus werden sie auch das Velaslavasay Panorama selbst vorstellen, eine Mischung aus Ausstellungshalle, Theater und Garten in Downtown L.A., mit dem sie sich auf die Präsentation einer großen Vielfalt visueller Unterhaltungsmedien und historischer Bild- und Texttraditionen spezialisiert haben.

Donnerstag, 28.11.2013, 19 Uhr
(freier Eintritt)

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Thursday, Nov. 28, 7 pm 
(free admission)